martes, 29 de noviembre de 2011

Baraja (Obra original)

Mi obra original es una baraja de una película que me encanta que es La princesa y el sapo, elegí a los personajes que me parecieron adecuados para cada carta y lo primero que hice era hacer que el personaje se reflejara como espejo y lograra cierta simetría, después tuve que crear un marco que tuvieran todas las cartas en común con sus colores, al igual que la tipografía adecuada.
Cada personaje lo calque y ya rasado en la hoja lo dibuje con colores prismacolor (esto fue lo mas tardado de la obra), después pinte el fondo con acuarelas y mande a hacer las letras y los palos de las cartas en vinil, ya que estaban listos los pegue en las hojas.




Me encanto hacer este proyecto porque aprendí como utilizar diferentes técnicas y describí cuales se me dificultaban y cuales no.

jueves, 24 de noviembre de 2011

Alexander Yaya

Alexander Yaya M. (Pintor y escultor)
Es sin duda la materia y la transformación de los elementos la fuerza motora, que impulsa a un artista como Alexander Yaya a crear la incansable búsqueda de la forma y el color en su total plenitud. 
El artista nacido en Bogotá, Colombia es hoy en día manager de Crisolart galleries en Barcelona y Nueva York, tambien es un exitoso escultor y pintor alrededor del mundo.

Usted puede comprar en este momento una de las mejores obras de este renombrado artista, expuesta febrero del 2009 en la International artexpo Nueva York y en el mismo año en Crisolart Galleries.

"Face I"
80x80cm
Tecnica mixta sobre lienzo
1500

"Face II"
80x80cm
Tecnica mixta sobre lienzo
1500


"Face III"
80x80cm
Tecnica mixta sobre lienzo
1500



lunes, 7 de noviembre de 2011

Claude Monet

 Claude Monet nació en París el 14 de noviembre de 1840,  pasó la mayor parte de su niñez en Le Havre, donde estudió dibujo y pintó marinas al aire libre con Eugène Louis Boudin. En  1860 se le asoció con el pintor pre-impresionista Édouard Manet y con otros pintores franceses que más tarde formarían la escuela impresionista—Camille Pissarro, Pierre Auguste Renoir y Alfred Sisley. Monet pintaba, trabajando al aire libre, paisajes y escenas de la sociedad burguesa contemporánea, y así comenzó a tener éxito en las exposiciones oficiales.  Sus experimentos al aire libre se hacían cada vez más audaces, buscando la reproducción de la luz del día por medio de una aplicación libre de colores brillantes. En 1874 Monet y sus colegas decidieron apelar directamente al público mediante la organización de sus propias exposiciones. Se denominaron a sí mismos independientes, aunque la prensa les aplicó burlonamente la etiqueta de impresionistas a causa del aspecto inacabado de sus obras y porque una de las pinturas de Monet llevaba el título Impresión, sol naciente. Las composiciones de Monet de este periodo poseen una estructura bastante libre, aplicando el color con cortas pinceladas. Esta técnica viene por la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre a la hora de captar una impresión de la naturaleza. 


En 1870 y 1880 Monet refinó su técnica, realizando viajes a otros escenarios franceses, especialmente a las costas mediterráneas y atlánticas, con el fin de estudiar los efectos de la luz sobre formas y colores. A mediados de la década de 1880 Monet había alcanzado un reconocimiento importante y una buena posición económica. En 1890 tuvo la posibilidad de adquirir una propiedad en el pueblo de Giverny, cerca de París, y allí comenzó a construir un nuevo jardín, un estanque con nenúfares atravesado por un puente japonés colgante con sauces y matas de bambú. En 1906 comienza a pintar las series del estanque con nenúfares que están expuestas en la Orangerie de París, en el Instituto de Arte de Chicago y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Durante estos años también trabajó en otras series de pinturas, grupos de obras que representan el mismo tema. Monet continuó pintando, a pesar de que la vista le fallaba, casi hasta el momento de su muerte, ocurrida el 5 de diciembre de 1926. 


lunes, 17 de octubre de 2011

Los codicés

Los codicés

A la llegada de los españoles a la tierra mexicana, entre muchas cosas que les causaron admiración, tuvieron en sus manos libros indígenas. Estos documentos mexicanos y guatemaltecos servían como repositorios de la historia, de la tradición religiosa y de los calendarios.
En el territorio de influencia nahua, fue muy común el uso de pinturas en lienzos, que relatan las historias de peregrinaciones o los hechos de guerra con representaciones de batallas y ceremonias de rendición de los pueblos vencidos. También eran de gran importancia los tonalámatl de los nahuas y los tzolkín de los mayas que son documentos de carácter ritual, constituidos por una escritura casi siempre figurativa, donde sobresale la representación de su sistema cronológico .
Según el mito azteca fue el dios Quetzalcoatl el inventor de la escritura; según el mito maya, los jeroglíficos fueron inventados por el señor del ojo del sol, el Kinichahau. 
Los sabios no están totalmente de acuerdo en si los antiguos mexicanos lo manufacturaban únicamente de piel de venado y de la corteza de los arboles de la higuera, o si también escribían sobre la fibra de maguey.
Los aztecas le dieron un uso distinto al papel antes de escribir sobre el, lo usaban para adornar a los dioses y a los sacerdotes.
El papel para los libros se manufacturaba de la corteza machacada de las higueras que luego se cubría con una capa de carbonato de calcio obtenido de alguna roca, una vez cerrados los poros del papel con el polvo mezclado con agua, se le aplicaba la pintura.
Los códices era escritos por sacerdotes, destinados a la meditación y solo los propios sacerdotes eran capaces de descifrarlos 
Los nahuas tenían ideogramas para representar conceptos metafísicos tales como el dios simbolizado por el sol, el movimiento la vida etc...
Unos códices tratan de la religión, de los dioses y de astronomía, otros fijan hechos históricos, genealogías de familias reales.
La mayoría de los códices fueron quemados por los misioneros españoles 
En los códices mayas las figuras que se ven son principalmente de dioses, los códices mixtecas son de los reyes.
Los dioses mayas tienen una enorme variedad de ofrendas y objetos, las mujeres en la mayoría de los casos están arrodilladas y los hombres sentados sobre las piernas cruzadas 
Los colores en los códices mistemos son el rojo, azul, púrpura, negro y gris y en los mayas la mayoría son en negro. 
Los códices están escritos en 3 diferentes maneras una de ellas es pictografía, que representa los hechos por medio de imágenes, el segundo eran los signos ideograficos, estos representaban objetos que sugerían a su vez otros objetos y otras ideas y el tercero es fonético donde únicamente denotan sonidos.
Los mayas usaban la escritura ideografía y los signos fonéticos en grado menor que los nahuas, lis mixtecos y los nahuas (aztecas) empleaban los 3 métodos.
La tira de la peregrinación 



La "Tira de la Peregrinación" es uno de los documentos antiguos más conocidos de la cultura náhuatl.
El manuscrito es una gran tira de papel de maguey de aproximadamente 5,42 metros de largo y 19.13 cm. de ancho. Puede doblarse para formar una especie de libro, este formato alargado, hace llamarlo "Tira", y "de la Peregrinación" por su temática acerca del arduo recorrido de los grupos nahuas-chichimecas desde su tierra de origen.
El documento perteneció originalmente a la colección de Lorenzo Boturini Benaducci, por lo que se le conoce también como "Códice Boturini".
Comienza con la representación de la legendaria Aztlán, hasta la llegada a Chapultepec, sitio trascendental del valle de México donde se encontraba el manantial que más tarde suministraría agua a toda la ciudad de Tenochtitlán. Tiene la cronología año por año y marca las estancias de la tribu viajera y los principales sucesos que durante la peregrinación le acaecieron.
Es probable que se hubiera roto la última sección o haya quedado inconcluso; sin embargo, el códice resalta por su elegancia que amalgama el mito originario, la saga histórica y la política en un recorrido dictado por los dioses, donde la importancia reside en que el mandato de Huitzilopochtli debe cumplirse siguiendo un ideal, buscando donde fundar lo que más tarde sería la gran Tenochtitlán.
Bibliografía: 
Goncalves de Lima, Oswaldo, El maguey y el pulque, en los códices mexicanos, Fondo de cultura económica.
Sten Maria, Las extraordinarias historias de los códices mexicanos, Contrapuntos.
Seler Eduard, Comentarios al códice Borgia, Fondo de cultura económica.

Diego Rivera

Diego Rivera
Diego María Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez, mejor conocido como Diego Rivera, nació en la ciudad de Guanajuato, Guanajuato, el 8 de diciembre de 1886. El talento para la pintura fue desarrollándose en él a lo largo de sus años escolares.

Cuando apenas contaba diez años, la familia de Diego se trasladó a la Ciudad de México. Allí, obtuvo una beca del gobierno para ingresar en la Academia de Bellas Artes de San Carlos, en la que permaneció hasta su expulsión en 1902, por haber participado en las revueltas estudiantiles de ese año.
Las influencias que recibió en su estancia en la capital fueron variadas, y van desde las de su primer maestro, discípulo de Ingres, hasta las de José Guadalupe Posada, grabador en cuyo taller trabajó Diego y cuya influencia sería decisiva en su posterior desarrollo artístico.

Cinco años más tarde, Diego realizó su primera exposición, que fue un gran éxito entre el público; esto le valió una beca del gobierno de Veracruz para proseguir su formación pictórica en España, en la escuela de San Fernando de Madrid.
Siempre fue la ambición de Rivera expresar en forma plástica los sucesos, ideas y esperanzas de la Revolución Mexicana.
Para hallar un medio adecuado a esta expresión tuvo que experimentar con la técnica del fresco. 
Fundó junto con José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros un movimiento pictórico al que se le dió el nombre de escuela mexicana de pintura. 
 En 1929 contrajo matrimonio con Frida Kahlo.
Diego Rivera se interesó vivamente en la política y en sus composiciones murales, históricas o simbólicas. 
Los murales que Rivera pintó en México lo hicieron tan famoso que se convirtió, no sólo en jefe de escuela pictórica, sino también en líder político. 
Diego Rivera fue miembro del Partido Comunista de 1923 a 1930 y de 1954 hasta su muerte.
Desde finales de la década de 1930 se dedicó a la pintura paisajista y retratos. 
Su más ambicioso y gigantesco proyecto, un mural épico sobre la historia de México para el Palacio Nacional, quedó inconcluso a su muerte en la Ciudad de México el 25 de noviembre de 1957.

Dia de muertos
Diego Rivera
oleo
Esta pintura demuestra al igual que muchas de sus pinturas un estilo indigenista y social de gran atractivo popular. 
La tecnica que utilizo es el puntillismo, Diego Rivera experimento con muchísimas técnicas, esta técnica que utilizaban los impresionistas que consiste en la obtención de las gamas cromáticas mediante la aplicación de puntos o rasgos yuxtapuestos de colores planos y que mirados desde cierta distancia producen la adecuada mezcla óptima que define la imagen.
También podemos observar como utiliza una gama de colores donde resaltan los colores cálidos y no se da importancia a los detalles.


Bibliografia:
Wolfe Bertram, the fabulous life of Diego Rivera, Editorial Diana.

martes, 6 de septiembre de 2011

Los 4 elementos y el sol


Este es un cuadro que hice con la técnica de temple la cual se utiliza con yema de huevo y pigmentos de color. Escogí ese nombre ya que cada color representa uno de los 4 elementos, agua, tierra, fuego y aire, y también decidí representar el sol con el color amarillo.
Me gusto mucho esta técnica y creo que es importante saber como hacían las cosas nuestros antepasados.

miércoles, 31 de agosto de 2011

Mi propuesta de arte LA FLOR


Mi propuesta de arte es esta fotografía donde la fotógrafa es mi mama, yo pienso que las fotografías en general no son valoradas como obras de arte como lo son algunas esculturas o cuadros entre otras cosas, aunque si hay muchas fotografías que son catalogadas como obras de arte no creo que sean las suficientes por esto tengo esta propuesta, elegí esta fotografía que se encuentra en el comedor de mi casa y es mi favorita de todas las que ha tomado mi mama, el hecho de captar un momento y plasmarlo en un papel donde puede ser visto y valorado se me hace muy importante aunque una obra de arte no necesariamente tiene que ser algo bello, también puede ser una representación de lo feo o lo monstruoso entre otras, esta fotografía representa muy bien la belleza con la imagen de una flor que transmite vida, armonía, paz y a cada persona le puede transmitir un sentimiento diferente.
Mi mama es fotografa, chef y pintora pero no reconocida en ninguno de esos ámbitos aunque es muy buena, y no lo digo porque sea mi mama, ya que ella prefiere reservar sus creaciones u obras de arte que así yo las considero entre las personas que ella quiere. 
Tomando esto en cuenta creo que no se necesita ser Van Gogh o Picasso para lograr crear una obra de arte, cualquiera lo puede lograr si se esmera o si se logra crear lo deseado.